В творчестве Михаила Ларионова было несколько ярких этапов. Он начинал свой путь как художник-импрессионист, позже увлекался примитивистским и народным искусством, а затем создал новое авангардистское направление в живописи - лучизм. Валентин Серов называл Ларионова «самым скандально-спорным и самым талантливым живописцем своего поколения».

Импрессионист-бунтарь

Михаил Ларионов родился в 1881 году в Тирасполе - городе в Херсонской губернии. Его отец был военным фельдшером. В 1891 году семья переехала в Москву , где Ларионов спустя семь лет начал обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.

В те годы Ларионова увлекали популярные течения европейской живописи, особенно импрессионизм . Летом он возвращался в родной город. Здесь молодой художник часто писал с натуры, особенно любил он виды сада в родительском доме. Именно в Тирасполе Ларионов создал свои лучшие импрессионистические произведения, например «Розовый куст после дождя» и «Акации весной». На полотне «Розовый куст после дождя» Ларионов мазками стремился передать поток солнечных лучей, их блеск на мокрых от дождя цветах. Художественный критик Николай Пунин писал об импрессионистических работах Ларионова: «Первое, что обращает на себя внимания... это отношение его к поверхности холста. Ни один из русских «импрессионистов» тех годов не осознавал в такой полноте, как Ларионов, единства живописной поверхности» .

Михаил Ларионов. Акации весной (фрагмент). 1904. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Михаил Ларионов. Розовый куст после дождя (фрагмент). 1904. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Михаил Ларионов. Волы на отдыхе (фрагмент). 1906. Государственная Третьяковская галерея, Москва

В училище Михаил Ларионов зарекомендовал себя как смелый реформатор. Он часто противоречил начальству, пренебрегал установленными нормами, дисциплина и жесткие рамки его тяготили. Его даже отчислили из-за конфликта с преподавателями. Как писал искусствовед Глеб Поспелов, Ларионов вместе с группой студентов протестовал против того, что «самая терпимая московская школа облекается в казенный мундир» . Однако позже его восстановили в учебе, и в 1910 году он получил диплом. В училище Ларионов познакомился с художницей Наталией Гончаровой, которая стала его спутницей жизни, другом и коллегой.

Примитивизм и полотна солдатской серии

В 1910 году Михаил Ларионов стал одним из организаторов скандальной выставки представителей раннего авангарда «Бубновый валет» . Но художник достаточно быстро отделился от этой группы и организовал собственную выставку с еще более эпатажным названием - «Ослиный хвост». В этот период Ларионов интересовался примитивизмом: художники этого направления сознательно упрощали свои картины, обращались к детским рисункам, первобытному или средневековому творчеству. Участники объединения «Ослиный хвост» особенно вдохновлялись народным искусством: лубочными картинками, промыслами, лаконичными вывесками городских лавок и кафе.

Сергей Бобров, русский поэт, художник, футурист. Выдержка из книги «Основы новой русской живописи» 1911 года

В 1907–1912 годах Ларионов писал картины на темы провинции и солдатской жизни. Черты примитивизма проявлялись в нарочитом упрощении сюжетов, нарушении пропорций, ярких красках. Однако, несмотря на стиль, полотна не были лишены авторской идеи: в наивных на первый взгляд сценах из повседневной жизни часто бывало скрыто «двойное дно». Например, на картине «Офицерский парикмахер» живописец изобразил самодовольного офицера и услужливого парикмахера, который напоминает официанта. Над головой клиента - маленького и безвольного - нависли огромные ножницы.

Михаил Ларионов. Парикмахер. 1907. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Михаил Ларионов. Отдыхающий солдат. 1911. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Михаил Ларионов. Офицерский парикмахер. 1909. Галерея Альбертина, Вена

В полотне «Отдыхающий солдат» воплотилась вся примитивистская концепция Ларионова. Когда художник работал над полотном, он часто ездил на лагерные сборы и наблюдал, какие надписи или рисунки делают в свободную минуту солдаты на заборах и стенах. В картине Ларионов нарушает все неписаные правила живописи тех лет: его персонаж лежит в неестественной позе с «изломанными» ногами; среда, в которой он находится, лишена искусственной эстетики, украшательства, изображена во всей ее обыденности, а сама картина написана крупными грубыми мазками без проработки мелких деталей.

С солдатскими сюжетами в искусство Ларионова входила уже не только провинциальная улица, как это было в вещах предыдущих лет, но вся низовая и грубая стихия российской социальной жизни. «Солдатские темы» все весомей внедрялись тогда в действительность предреволюционной России… Такие мотивы могли задеть и ошарашить зрителя уже одной непосредственной связью с живой повседневностью.

Глеб Поспелов, искусствовед

Лучизм и декорации к Русским сезонам

Третий период в творчестве художника связан с разработанной им теорией лучизма. В ранних полотнах этого этапа еще присутствовали очертания предметов - их словно образовывали лучи, которые отражались от разных объектов, - а позже Ларионов стал создавать абстрактные работы. В них господствовало стихийное начало и игра острых цветовых полос, которые пересекались, сплетались, расходились в разные стороны и вновь сбивались в пучки, рождая яркие фантазийные картины.

То, что ценно для всякого любителя живописи, в лучистой картине выделяется наивысшим образом - те предметы, которые мы видим в жизни, не играют никакой роли (исключая реалистический лучизм, где предмет служит точкой отправления), то же, что является сущностью самой живописи, здесь лучше всего может быть выявлено - комбинация цвета, его насыщенность, фактура; на всем этом, кто интересуется живописью, может сосредоточиться всецело…

Михаил Ларионов

Во время Первой мировой войны Михаила Ларионова призвали на службу. После полученного ранения в 1915 году он поселился во Франции, где и прожил всю оставшуюся жизнь.

Сергея Дягилева . Это была настоящая визитная карточка антрепризы. Балеты были известны своим оформлением - изысканными авангардными костюмами и декором. После смерти Сергея Дягилева в 1929 году Ларионов стал меньше заниматься живописью. У него появилось новое увлечение: он собирал произведения искусства для состоятельных клиентов. А сам по-прежнему увлекался русским лубком и коллекционировал китайскую графику. В живописи он вернулся к предметному искусству и эстетике импрессионизма и примитивизма: писал уличные сценки и натюрморты.

В 1955 году Михаил Ларионов и Наталия Гончарова официально стали мужем и женой . Однако спустя семь лет художницы не стало. Ларионов вскоре женился на Александре Томилиной, своей старой знакомой, служащей одной из французских библиотек. После его смерти в 1964 году Томилина проводила выставки Ларионова и Гончаровой в Европе и Америке и организовала первую после их эмиграции экспозицию в Москве в 1980 году. Она унаследовала парижские полотна и архив Ларионова и Гончаровой и в 1989 году подарила их Третьяковской галерее , как того хотели художники.

Ларионов уже в юности выступал против общепринятых традиций, поэтому за годы учебы в училище его три раза исключали за вольномыслие в живописи.

Общение с современными ему художниками, активное участие в деятельности живописцев, а также знакомство и последующая женитьба на Наталье Гончаровой, существенно повлияли на его творчество. Он писал в манере импрессионистов, заинтересовался принципами фовистов, изучал идеи примитивизма, пока не создал собственную теорию под названием лучизм. Он же выступил инициатором нового направления - неопримитивизма.

Бунтарский дух энергичного Ларионова привлекал внимание аналогично настроенных молодых художников. Ларионов организовал четыре ярких выставки, вокруг которых всякий раз разгорался скандал. Это небезызвестные выставки «Бубновый валет» и «Ослиный хвост», переросшие в дальнейшем в одноименные организации. Вслед за ними последовали выставки «Мишень» и «№4», которые также объединяли молодежь, отрицающие каноны классической художественной школы.

К числу его известных работ относятся картины серий «Парикмахер» и «Солдат», автопортрет, «Кукольный театр», «Венера и Михаил», «Весна» и другие. Помимо живописи Ларионов иллюстрировал книги, оформлял театральные постановки и писал книги.

Ушел из жизни художник в 1964 году, достигнув 82-х лет.

Особенности творчества Ларионова

Ранний период деятельности

В ранний период художественной деятельности Ларионов творил в стиле импрессионистов. Ему нравилось рисовать картину с помощью коротких мазков, вызывая у зрителя ощущение пульсации полотна. Особенностью его импрессионистского стиля была яркая цветопись. Часто он располагал рядом цвета, которые относятся к несочетаемым, но при этом тонкое чутье художника помогало ему достичь цветовой гармонии. Интересно, что в его работах не краска подчинялась форме, а форма рождалась из отдельных мазков.

До 1906 года художник работал в направлении неоимпрессионизма. Его картины этого периода отличает колоритность и фрагментарность композиций. Он рисовал нежные пейзажи, которые трудно сравнивать с последующими картинами в стиле примитивизма, лучизма и других новых направлений.

Период примитивизма

Огромное влияние на творческий стиль Ларионова оказали поездки в Париж и Лондон. Вернувшись оттуда, он начал творить в стиле примитивизма. Первыми были гротески из жизни и быта солдат. Российская публика встретила новшество с неодобрением, закидав художника массой язвительных замечаний. Особенно досталось картине «Отдыхающий солдат». Однако картины в этом стиле наряду с дерзкими выставками «Бубновый валет» и «Ослиный хвост» привлекли внимание бунтарских молодых художников, склонных к экспериментам и отказу от художественных норм и правил.

Заметим, что в отличие от наивного искусства (когда человек просто не умеет рисовать), примитивисты намерено создавали эффект невежественного искусства. Они делали картинку плоской, осознанно допускали ошибки перспективы, не соблюдали пропорции, прибегали к кричащим краскам и даже делали ошибки в подписях, чтобы выразить таким способом протест против академической школы. Им нужна была свобода. Свобода от жестких рамок и взглядов, чтобы перейти к искусству, которое не подчиняется логике.

Рождение лучизма

Именно лучизм считается тем направлением, который создал базу для будущего российского абстракционизма. И основателем его является Михаил Ларионов. Эксперты полагают, что предпосылками для создания художником лучизма могла быть работа с Врубелем и лондонская выставка У. Тернера.

Новая теория провозглашала базовым элементом луч, который пронизывает все и является причиной возникновения пространств и форм. При этом выделялся чистый лучизм (полная абстракция) и лучизм, базирующийся на конкретном объекте. Сами лучисты часто строили свои работы с использованием принципов кубизма, орфизма и футуризма, провозглашая лучизм вершиной всех этих направлений.

Рекорды продаж, цены на картины Ларионова

Еще в 1950-х годах, при жизни художника, на его картины начал расти спрос. Это привело к организации многочисленных выставок работ мастера и его супруги Н. Гончаровой. Но сколько стоят картины Ларионова сегодня? Посмотрим на информацию с аукционов.

В 2012 году на торгах МасDougall`s представили раннюю работу М. Ларионова «Цветы на веранде». Картину продали по нижней границе эстимейта за 1,1 млн фунтов (1,9 млн долларов).

В 2014 году на торги Sotheby`s попала картина «Месильщики теста». В 1913 году Ильей Зданевичем был составлен список главных трудов художника, в который вошла и эта работа. Ее последнее представление общественности состоялось в 1961 году в Англии. Это произведение в полной мере отражает его художественный стиль. Здесь наблюдается упрощение форм, интересное сочетание неподвижности и движения фигур, резкость и угловатость контуров. Работу оценили в 0,8–1,2 млн фунтов стерлингов, а продали за 1,9 млн фунтов (3,1 млн долларов).

Наконец, рекордом продаж картин Ларионова считается работа «Натюрморт с кувшином и иконой», ставшая лидером торгов Sotheby`s в 2007 году. Работа была создана около 1910 года и ранее участвовала в известной московской выставке. Эксперты оценили картину в 2-3 миллиона долларов и пророчили, что она станет звездой аукциона. Так и вышло. В ходе торгов борьба разгорелась между человеком, находящимся в зале, и участником, предлагающим цену по телефону. В результате полотно продали за 4,5 млн долларов.

Популярность картин Ларионова вызвала просто гигантский поток фальшивок. Начиная с 1980-х годов, в прессе неоднократно описывались скандалы вокруг очередной партии снятых с аукционных продаж разных стран мира картин художника. Например, в 1988 году в Швейцарии арестовали выставку, на которой было представлено почти двести работ Ларионова. Проверка показала, что все картины были фальшивыми.

Если до этого лидером по подделкам считался , то на смену ему пришли работы Натальи Гончаровой и Михаила Ларионова. Ситуация осложняется появлением не только фальшивых картин, но и поддельных каталогов работ художников, поэтому так важно перед заключением сделки проводить экспертизу картин Ларионова, Гончаровой или других представителей авангардизма. Далее мы рассмотрим особенности этой процедуры, а также выясним, где и как продать картину Ларионова.

Особенности экспертизы, продажи и скупки картин Ларионова

Как оценить картину Ларионова

Чтобы более-менее достоверно оценить работу известного художника, нужно разбираться во многих деталях. Например, отлично знать весь творческий период автора, картины, которые были наиболее востребованными, понимать интересы арт-рынка и параметры, от которых зависит цена картины. Так как даже эксперты специализируются на конкретных эпохах художников, самому делать такую оценку не рекомендуется. Отказ от может привести к значительным финансовым потерям, когда дорогой шедевр продается за скромную сумму.

По этой причине мы предлагаем оценить картины Ларионова в специализированном центре экспертизы. Сотрудники центра исследуют холст в лаборатории по всем желаемым параметрам от установки подлинности до выявления состояния полотна.

Где выгодно продать картину Ларионова

Это можно сделать в галерее «Лермонтов» - антикварной площадке, присутствующей на рынке с 2008 года. За годы работы мы собрали на своем ресурсе широкую аудиторию людей, готовых приобрести ценные произведения искусства. Вам достаточно подготовить описание картины, сделать ее фотографии и прислать нам. Как только найдется покупатель, вы сможете обсудить с ним детали продажи.

Как продать картину Ларионова быстро

Описанный выше способ продажи хорош возможностью получить высокую прибыль. Но сам процесс может затянуться до тех пор, пока не найдется покупатель. Более быстрым вариантом является продажа картины за процент от ее стоимости. При таком способе мы сами произведем , предварительно убедившись в ее подлинности (проведем экспертную оценку).

ларионов художник

Михаил Федорович Ларионов – лидер русского авангарда, бунтарь, вожак, мастер эпатажа, новатор, первый русский перформанционист, вышедший за рамки картинной живописи. Сегодня на аукционах русского авангарда – один из самых дорогих и востребованных художников.

Родился художник 3 июня 1881 года. Детство провел в Тираспольской крепости, где его отец служил военным доктором.

Рисовать мальчик начал рано: сохранились первые его работы с 9 лет (1890). С 12 лет он учился в Московском реальном училище Воскресенского, а с 17 – в Училище ваяния, живописи и зодчества. В. Серов, К. Коровин и И.Левитан были его преподавателями.

Его работоспособность, энергия и тяга к новому – поразительны: на третий год обучения он представил комиссии для участия в конкурсе 150 картин, чем возмутил преподавательский состав, так как три из них были порнографическими. Студента — за строптивость и «неприличные» рисунки – отчислили из училища. Для Ларионова это стало периодом интенсивного освоения современной европейской живописи – импрессионизма.

С чем Михаил Ларионов знакомился, а после и использовал, не было чистым подражанием, он стремился переварить увиденное, исследовать и применить в соответствии с собственным видением и художественным вкусом.

Картины молодого художника начинают покупать известные коллекционеры, в числе которых – Рябушинский и Морозов. Он участвует в выставке «Мир искусства», «Обществе передвижников», Союзе русских художников, а в 1906 году С.Дягилев пригласил Михаила Ларионова поучаствовать в выставке русских художников в Париже «Осенний салон».

Творчество художника делится на три основных периода: первый – импрессионистский (1900-1907), второй – примитивистский (1907-1912) и третий, самый известный и важный, – «лучизм» (с 1913).

Тяга художника к театральности, жесту и действию в сочетании с лидерскими качествами проявлялись в организации союзов, выставок, диспутов, в проведении общественность эпатажных шествий, с последующими скандалами и бурными обсуждениями. Это делало имя Михаила Ларионова скандально-известным.

В 1910 году проходит выставка художников, которые объединились в союз «Бубновый валет» – название придумал Ларионов. Участники выставки – К. С. Малевич, Н. С. Гончарова, В. Е. Татлин, М. 3. Шагал и другие. На ней Ларионов выставляет «Хлеб», выполненный в духе уличной вывески. Однако ему тесно в любом союзе, поэтому совсем скоро он со скандалом его покидает.

В 1912 году художник-скандалист устраивает выставку художников, вышедших из «Бубнового валета» и организует новый союз – «Ослиный хвост». На этой выставке Михаил Федорович показывает свою «Солдатскую серию».

Теорию лучизма Ларионов публикует отдельной брошюрой, а после выпускает манифест «Лучисты и будущники», под которым подписались десять художников. В этих картинах Ларионов излагает суть теории лучизма – предметы отражают лучи, на их пересечении возникают определенные формы, которые художник выделяет и изображает. Так было положено начало беспредметного абстрактного искусства, главную роль в котором играли цвет, свет и рука художника.

В этих картинах живопись живет не по законам реальности и предметности, а по собственным законам – цвета и света. Такие работы возникают стихийно и не подчиняются рациональным законам. Лучистские картины Михаила Ларионова часто сравнивают с его импрессионистическими.

Во время Первой мировой войны Ларионов служил на фронте, а после тяжелой контузии был отправлен в госпиталь. В 1918 году художник поселяется с женой в Париже. В этот период Ларионов оформляет спектакли – «Шут», «Лисица», «Русские сказки» и работает над натюрмортами и интерьерами – «Весенний букет», «Ателье на улице Висконти».

Михаил Ларионов - один из крупнейших живописцев ХХ века. Его творчество сопоставимо с творчеством таких выдающихся российских художников, как Малевич, Кандинский, Татлин, определивших величину и своеобразие художественного вклада России в мировую культуру.

Сегодня произведения Ларионова хранятся в крупнейших собраниях мира, а также в частных коллекциях.

Судьба Михаила Федоровича Ларионова печальна, ибо пала она на трагическую пору отечественной нашей истории. Он разделил горькую участь многих, очень многих своих сверстников, волею событий оказавшихся далеко от земли, и х вскормившей.

Рождение, детство, учение, первые успехи и стремительный в зл е т новаторского, «бунтарского» творчества — все это вместилось в тридцать восемь «русских» лет художника, а сорок пять оставшихся — под чужим небом. Европейской славе «русского парижанина » на родине социалистического реализма м еста, как известно, быть не могло, разве что в немой памяти тех, кто не хотел и в опреки всему не мог отказаться от баснословного прошлого русского искусства. Таких, впрочем, было немного и с каждым годом все меньше…

Михаил Ларионов и Наталья Гончарова. Москва. 1913

Михаил Фёдорович Ларионов родился в семье военного фельдшера. В провинциальном Тирасполе прошли его детск ие годы. В 1898 г. он поступил в МУЖВЗ, где учился у Коровина и Серова. В училище Ларионов познакомился с Натальей Гончаровой, ставшей его верной соратницей.


Фруктовая лавка. 1904

На годы учебы приходится ранний, импрессионистический период творчества Ларионова. В унаследованной от французских художников манере создавал он целые живописные серии.


Акация весной. 1904

Голубое небо в верхушках акаций пронизано серебристым мерцанием весенних ветвей; удивительно прозрачны и нежны касания верхушек деревьев с небом. Короткие удары, «тычки» кистью создают живописно-тональную вибрацию фона. Кажется, небо живет, пульсирует, дышит…

Сад. 1904

Нерв ларионовского импрессионизма — обостренная цветопись, а не яркая светопись. Художник достигает необычной напряженности цвета. Нарушая все живописные каноны, он сталкивает контрастные и близкие цвета — красный, зеленый, розовый, лиловый, приводя их к неожиданным гармониям. Это поистине отважная живопись, открывающая новые цветовые сочетания. Такой «живописный риск» мог позволить себе только художник с безошибочным чувством цвета.


Один майский день. 1904

«Один майский день» - часть комнатной обстановки и окно с пробивающейся на деревьях зеленью, написан Ларионовым в стиле позднего импрессионизма в пору ученичества у Левитана и Серова в Московском училище живописи .

Особенностью ларионовского импрессионизма является необычайное богатство живописных фактур. Как бы из цветовых зерен, соседствующих друг с другом, складывается структура его живописи, мерцающая переливами драгоценных камней. Вспоминаются полотна и акварели Врубеля, вызывающие те же ассоциации. Молодой живописец был внимателен к творчеству старшего собрата (они былизнакомы). Как и у Врубеля, краска в холстах Михаила Ларионова не ложится на готовую форму, напротив, сама форма и пространственные отношения рождаются из красочных образований и цветных фактур.

Сирень 1904

Эти произведения пользовались успехом на выставках Общества русских акварелистов, СРХ, "Мира искусства", на русской экспозиции Осеннего Салона 1906 в Париже.

В 1910-х Ларионов проявил себя как блестящий организатор: он возглавил группу молодых московских художников.


Портрет поэта Велимира Хлебникова. 1910

Примитивизм Михаила Ларионова находил источники вдохновения даже в заборных рисунках и надписях. В 1913 он подготовил выставку лубка, которая включала восточные и европейские народные картинки, вывески, печатные пряники, многие были из коллекции Ларионова. В этом же году была организована его выставка иконописных подлинников и лубков.

С 1912 Ларионов много занимался графикой: исполнил серию литографированных открыток, повторявших его живописные произведения; создал иллюстрации для сборников поэтов-футуристов Крученых, Хлебникова, Большакова. Изданные крошечными тиражами, эти книги представляют теперь огромную ценность.

Михаил Фёдорович принимал активное участие в художественных диспутах, получивших распространение в ту пору. В частности, в 1913 состоялся диспут на тему "Восток, национальность и Запад", предшествовавший открытию выставки "Мишень". На нем Ларионов и его группа четко обозначили свою "восточную" ориентацию.

На выставке "Мишень", где демонстрировались также произведения художников-самоучек и детские рисунки, Ларионов представил работы из незавершенного цикла "Венеры" и четыре холста "Времена года" (1912), которые были расценены критиками как вызов. В них использованы язык детского рисунка и архаическая символика, дополненная незатейливым текстом.

"Мишень" стала высшей точкой развит ия художественных идей Ларионова. Диспут "Мишени" уже включал доклад о лучизме, а на выставке экспонировались лучистские картины: "Петух и курица", "Лучистая скумбрия и колбаса" и др. Лучистские произведения Ларионов показывал и на последующих выставках - "14. Футуристы, лучисты, примитив" (1914), "1915 год".

По мысли Ларионова лучизм должен был оторвать живопись от предметности, превратить ее в самоценное и самодовлеющее искусство цвета. Основные положения теории лучизма, достаточно наивной, сводятся к тому, что мы не видим самих предметов, а воспринимаем пучки лучей, исходящие от них, которые в картине изображаются цветной линией. Но практика лучизма оказалась гораздо интереснее и плодотворнее его теории.


Петух и курица. 1912

В том же 1913 Ларионов публикует брошюру "Лучизм", манифест "Лучисты и будущники", в которых формулирует теорию нового течения: "Стиль лучистой живописи имеет в виду пространственные формы, возникающие от пересечения отраженных лучей различных предметов. Луч условно изображается на плоскости цветной линией". В лучизме Ларионова заложены начала абстрактного искусства.

В парижской галерее Поля Гийома состоялась выставка его работ (совместно с Гончаровой), принесшая Ларионову европейскую известность. Он знакомится с Пикассо и,другими парижскими мастерами, о нем пишет статьи Гийом Аполлинер. Но война прерывает европейское турне художника. Как офицер запаса, подлежащий мобилизации, Ларионов возвращается в Москву и вскоре попадает на фронт в армию Ренненкампфа, сражавшуюся в Восточной Пруссии. Здесь он был тяжело контужен: «Чуть не без ног, контуженный, лежит дорогой Ларионов»,— писал Маяковский.

После выхода из госпиталя в 1915 художник вновь отправляется к Дягилеву, путешествует с труппой по Швейцарии, Испании, Италии, работает над эскизами декораций и костюмов для балетов.


Революция застает Ларионова во Франции. Он живо интересуется тем, что происходит в России, и никогда не теряет связи с Родиной. В 1920 году Ларионов иллюстрирует поэму Блока «Двенадцать», вышедшую отдельными изданиями в Париже и Лондоне. В ноябре 1922 в Париже побывал Маяковский, всегда высоко ценивший живопись Ларионова. В очерке «Семидневный смотр Парижской живописи» он рассказал о своих встречах с русскими художниками. Как результат этих встреч, в 1923 в издательстве «Круг» выходит поэма Маяковского «Солнце» с иллюстрациями Ларионова.

В 1919 Ларионов и Гончарова поселились в Париже на улице Жака Калло, где прожили до конца своих дней. В 1920-х он становится художественным советником Дягилева, который под его влиянием приглашает к сотрудничеству художников-модернистов.


Дягилев и Лифарь на репетиции. 1927.

Двадцатые годы прошли в работе над дягилевскими балетами. Ларионов создает эскизы костюмов и декораций для балетов на музыку Прокофьева «Шут» (1921) и Стравинского «Байка про лису» (1922). Остро переживая отрыв от родной ему стихии русской жизни, художник возвращается к излюбленным мотивам своего творчества. Так возникает альбом «Путешествие в Турцию», исполненный гуашью с использованием трафарета и шелкографии.


Дягилев работает над рукописью. 1929.

Поздние живописные работы Ларионова — охристо-серебристые натюрморты, этюды обнаженных натурщиц, хрупких и как бы бестелесных, говорят о том, что художник продолжает владеть утонченной живописной культурой. Но что-то невозвратно ушло из этих работ.

В последние годы жизни Михаил Фёдорович Ларионов много времени уделял литературному труду - писал воспоминания, статьи о русском искусстве.

Творческий взлет Ларионова, продолжавшийся до предвоенных лет, оставил неизгладимый след в русском иcкусстве 20 века. Многие художники начала века, искавшие новых путей в живописи, испытали на себе сильное воздействие искусства Ларионова, оно ощутимо в работах Гончаровой, Шевченко, Бурлюка и других. Следы ларионовского влияния заметны и в раннем творчестве Малевича и Татлина.

http://babanata.ru/?p=9208



В Новой Третьяковке открылась крупнейшая ретроспектива Михаила Ларионова. Работы одного из ведущих представителей русского авангарда рассредоточены по миру, поскольку долгое время он прожил за рубежом. Впервые его ключевые циклы «Венеры» и «Времена года» соберутся в одном месте. «Известия» расскажут, чем они примечательны и какова их роль в истории искусства.

Михаил Ларионов родился в 1881 году в Тирасполе (тогда - город Российской империи), в 10-летнем возрасте с семьей переехал в Москву и поступил в Реальное училище К. П. Воскресенского, а затем - в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у Валентина Серова и Исаака Левитана.

Еще будучи студентом, Ларионов стал одним из наиболее активных деятелей московского авангарда, с успехом выставлялся, участвовал во множестве проектов. В 1907 году картину совсем еще молодого художника «Весенний пейзаж» приобрела Третьяковская галерея - настоящее признание! Впрочем, индивидуальный стиль Ларионова тогда еще только формировался, художественные открытия, вписавшие это имя в историю искусства, случились позже - в начале 1910-х. И связаны они были с изображением обнаженной натуры.

От Леды до Олимпии

Вплоть до XIX века было не так много ситуаций, которые позволяли художнику изобразить обнаженную женскую натуру. Полная нагота была связана, как правило, с античной мифологией. Благодаря той свободе, с которой древние греки и римляне описывали приключения своих богов, живописцы могли порадовать и себя, и заказчика фривольными образами. Достаточно вспомнить многочисленные вариации на тему соблазнения Леды Юпитером в образе лебедя, а также практически все сюжеты с Венерой («Рождение Венеры» Боттичелли, «Венера и Адонис» Тициана, «Спящая Венера» Джорджоне и др).

Эскиз картины «Леда и лебедь» художника Леонардо да Винчи

Кстати, «Леда и лебедь» - редкий пример ню у Леонардо да Винчи. Сама картина до нас не дошла, но сохранились эскизы, а также множество копий и подражаний, выполненных учениками мэтра. Позже сюжет с разной степенью откровенности воплощали Микеланджело, Веронезе, Рубенс, Буше, и всегда в этом читался явный эротизм. И все же привязка к мифологии или Библии (Адам и Ева) оставалась непременным условием полной женской наготы.

Картина «Леда и лебедь» художника Питера Пауля Рубенса

Все взорвал Эдуард Мане. Его «Олимпия», написанная в 1863-м и выставленная в 1865 году, произвела грандиозный скандал, хотя, глядя на это вполне реалистическое, изысканное полотно сегодня, нам сложно с ходу понять, что же так шокировало парижскую публику. Действительно, композиция «Олимпии» во многом повторяет «Венеру Урбинскую» Тициана, включая позу и «открытость» лежащей прелестницы. Но в том-то и было новаторство, что Мане не «прятался» за Овидия и Гомера. Более того, его героиня - куртизанка. И ее прямой, дерзкий взгляд на зрителя воспринимается иначе, нежели чуть застенчивая полуулыбка Венеры, - как вызов женщины, осознающей свою сексуальность и использующей ее.

Картина «Олимпия» художника Эдуарда Мане

В последней трети XIX и начале XX века женские ню стали бесконечно разнообразными. Так, у Зинаиды Серебряковой это лишенное прямого сексуального подтекста изображение крестьянских девок, для которых нагота - естественна («Баня»). А у Густава Климта - воплощение изломанной чувственности модерна («Змеи», «Обнаженная истина»). Широко известна его же графика - в ней художник, не скованный общественными приличиями, зачастую балансировал на грани между эротикой и порнографией.

Картина «Водяные змеи II» художника Густава Климта

Однако у Климта же наметилась другая тенденция, которая и станет доминирующей во втором десятилетии XX века: рисовать женское тело не прекрасным, а отталкивающим; сознательно нарушать каноны красоты. Теперь ню - не просто услада для мужских глаз и тайное потворство инстинктам, а выражение душевного состояния - даже не модели, а живописца и всей эпохи. Именно в творчестве Климта и, в большей степени, его младшего товарища Эгона Шиле сформировался экспрессионизм - художественный ответ на мрачные предчувствия грядущего апокалипсиса и ужасы Первой мировой войны.

Картина «Эгон Шиле и обнаженная модель перед зеркалом» художника Эгона Шиле

Самые откровенные акварели австрийского гения - не возбуждающие, а пугающие угловатой диссонантностью поз, неестественностью цветовой и анатомической. Параллельно с Шиле экспериментировал и Пикассо: в «Авиньонских девицах» (оригинальное название - «Философский бордель») он, как и Мане, изобразил дам полусвета, но исказил лица и нагие фигуры, превратив их в геометрические конструкции. Так родился кубизм.

Картина «Авиньонские девицы» художника Пабло Пикассо

В общем, к началу 1910-х годов обнаженную женщину можно было изображать в каком угодно контексте - сюжетном, стилевом, эмоциональном. Конечно, эксперименты всё равно вызывали скандалы - например, как только не упражнялись критики после показа портрета Иды Рубинштейн кисти Валентина Серова. Отмечали неестественную худобу танцовщицы, трупный оттенок ее кожи… И всё же было чувство, что теперь уже допустимо если не всё, то почти всё.

Новый миф

На этой богатой, эстетически разнообразной почве и появились ню Ларионова. За 1912 год он создал ряд полотен с изображением обнаженных женщин, и большинство из них получили название со словом «Венера»: «Солдатская Венера», «Еврейская Венера», «Кацапская Венера», «Венера» (также известна по надписям «Венера Михаил»). Кроме того, сохранился карандашный эскиз еще одной картины, которая так и не была написана, - «Венера негритянская».

Картины «Кацапская Венера» художника Михаила Ларионова (слева) и «Венера Урбинская» художника Тициана

В своих «Венерах» Ларионов, конечно, вступает в диалог с Тицианом и Джорджоне. Героини лежат на кровати, опираясь на высокие подушки, их взгляд направлен либо на зрителя, либо немного вбок, но ни тени стыдливости у них нет. Напротив, листок, закрывающий лоно еврейской Венеры, выглядит издевкой над традицией изображения Евы. Пародией на ренессансный мифологизм читаются и сами названия, поскольку ничего божественного и даже просто возвышенного у ларионовских дам не заметно.

Но вместе с тем, если Серов и Климт, Шиле и Пикассо сознательно очищали женскую наготу от естественной притягательности, Ларионов, наоборот, возвращает моделям эротизм, воспевает сочные формы своих «венер», поданные с залихватским жизнелюбием. Это не эстетское экспериментаторство богемы, а грубоватое, утрированное воплощение солдатской, мещанской мечты.

Картина «Солдатская Венера» художника Михаила Ларионова

Если до XIX столетия художники воспевали возвышенную красоту тела, во второй половине века эмансипировали сексуальность, а в начале XX и сексуальность, и красоту наготы было решено «отменить», то в 1910-х годах Ларионов снова дарует обнаженной женщине сексуальность, но не привязывает ее к идеальным стандартам красоты. На фоне современных дискуссий о «боди-позитивизме» этот подход выглядит особенно актуальным.

Особняком в этом ряду стоит «Венера» («Венера Михаил»). Хотя полотно и примыкает к той же серии - как сюжетно, так и хронологически, однако оно открывает новые горизонты, причем не только в искусстве Ларионова, но и в мировой живописи. Эта «Венера» близка персонажам ларионовского цикла «Времена года». Анатомическое подобие, которое было в других «Венерах», здесь сменяется символическим образом, нарочито наивным и оторванным от реальности.

Картина «Венера» художника Михаила Ларионова

Элементы пародии на Венер прошлого остаются (причем можно усмотреть здесь и иронию над собственными «национальными» Венерами), но любые связи с анатомией исчезают окончательно: трехмерность (пусть даже «неправильная») сменяется двухмерностью, а все фигуры выглядят будто детскими рисунками. Вкупе с радостно-желтым фоном и общим светлым колоритом это сообщает картине какой-то фантастический солнечный оптимизм.

В работе «Венера» появляется еще один важнейший элемент: текст. Помимо изображения фигур и фона, здесь присутствует надпись - такая же нарочито корявая, детская: «Венера Михаил». Сложно поверить, но Ларионов, пожалуй, первый художник, который стал использовать текст как визуальный и концептуальный элемент картины.

Более полувека спустя текст поверх изображения (или даже вместо него) станет одним из главных художественных приемов родоначальника московского концептуализма Ильи Кабакова. И есть несомненный символизм в том, что Третьяковка проводит ретроспективу Кабакова «В будущее возьмут не всех» параллельно с выставкой Ларионова.

Впрочем, на картине «Венера» текстовый элемент фигурирует, скорее, декоративно и не несет концептуальной или формообразующей нагрузки. Иное дело - цикл «Времена года», созданный в том же 1912-м.

Серия «Времена года (новый примитив). Осень» художника Михаила Ларионова. 1912

Четыре разноформатных полотна символизируют четыре времени года. Каждая композиция разделена на столько же неравных прямоугольников, внутри трех из которых - плоские двухмерные изображения, а четвертый отдан под текст.

«Осень счастливая блестящая как золото с зрелым виноградом с хмельным вином» - гласит одна из них. «Весна ясная прекрасная с яркими цветами с белыми облаками» - значится на другой... Лубочность текста подчеркнута его написанием - без знаков препинания, с «неправильными» переносами и будто бы случайными цветовыми акцентами.

Серия «Времена года (новый примитив). Зима» художника Михаила Ларионова. 1912

Та же нарочитая наивность характерна и для центральных фигур каждого полотна: это обнаженные дамы в окружении ангелочков, птиц и деревьев. Впрочем, их нагота - совершенно условна. От ню эротического Ларионов приходит к ню символическому, от мужского взгляда на модель (пусть даже и с оттенком карикатурности) к взгляду детскому.

Усиливает ощущение инфантильности изображений почти однотонный фон: светло-оранжевый в «Весне», коричневый в «Зиме», синий в «Осени» и фиолетово-черный в «Лете».

Фото: Государственная Третьяковская галерея

Серия «Времена года (новый примитив). Весна» художника Михаила Ларионова. 1912

И вот что интересно: если во второй половине XIX века изобразительное искусство освободилось от оков мифа, прежде незыблемых, по крайней мере, в отношении ню, то в XX столетии Ларионов снова возвращается к первоосновам - не только европейским (Венеры), но и русским: «Времена года» отсылают к нашему язычеству, а отнюдь не греко-римскому. Уместно провести параллель с «Весной священной» - знаменитым балетом дягилевских «Русских сезонов», музыка которого была написана Игорем Стравинским в том же 1912 году.

Красавицы и спутницы жизни

За свою жизнь и даже за относительно недолгий русский период Михаил Ларионов сменил множество стилей, манер письма. Что, в общем-то, было обычным явлением для авангарда. Но необычно другое: во всех экспериментах он сохранял светлый, удивительно оптимистичный, подчас даже праздничный взгляд на мир. Идиллия «Времен года», задорный эротизм «Венер», лучезарные квази-абстракции, для которых Ларионов придумал свой термин - «лучизм»...

Во всем, что делал Ларионов, чувствуется гармония с собой и с миром. И, наверное, не в последнюю очередь это следствие его счастливой семейной жизни. Наталья Гончарова, а не абстрактные венеры, была главной его красавицей и вдохновительницей. Ее он изображал неоднократно, и некоторые из портретов можно будет увидеть на выставке Третьяковки.

Союз Ларионова и Гончаровой вообще уникален, причем по многим параметрам. Во-первых, в артистической среде такие долгие и крепкие браки - в принципе редкость. Во-вторых, это отношения не художника и музы (как, например, у Дали и Галы), а двух равновеликих творческих личностей; без них обоих история авангарда немыслима. И в-третьих, несмотря на стабильность их союза, сам его формат был далек от традиционного. И дело вовсе не в том, что вплоть до 1955 года они не были ни венчаны, ни расписаны.

Н. С. Гончарова и М. Ф. Ларионов в мастерских Большого театра во время работы над декорациями к «Золотому петушку». Фотография. 1914, Москва

Обосновавшись в Париже, супруги дали друг другу нетипичную свободу: начиная с 1920-х годов Ларионов нашел постоянную спутницу жизни и новую модель - библиотекаршу Александру Томилину, которая жила в том же доме, что и он с Гончаровой. В свою очередь, в жизни Гончаровой появился издатель Орест Розенфельд. Нередко они отдыхали вчетвером; в письмах друг другу Ларионов и Гончарова передавали приветы Оре и Шурочке. И Розенфельд, и Томилина поддерживали художников: первый - заказами от издательства, вторая - уходом и помощью по хозяйству. Гончарова, не умевшая готовить, шутила, что, если в доме есть несколько женщин, старшая из них может ничего не делать. И отмечала, что ревновать им друг к другу не стоит.

Фото: Отдел рукописей Государственной Третьяковской галереи

Н. С. Гончарова и М. Ф. Ларионов. Фотография. [Начало 1950-х, Лондон]

Во время Второй мировой войны Розенфельд попал в концлагерь, Гончарова предпринимала отчаянные усилия для его вызволения. И хотя ее труды оказались напрасны, он чудом остался жив, но после 1945 года уехал и женился на другой женщине. Томилина же прожила с Ларионовым и Гончаровой вплоть до смерти последней, после чего стала законной супругой пожилого мэтра. Правда, практического смысла в этом браке было больше, чем романтического: тяжело больной художник чувствовал, что скоро и он уйдет в мир иной, а о его и Гончаровой живописном наследии и огромном архиве сможет позаботиться только Томилина.

И действительно, всю дальнейшую жизнь после смерти Ларионова она посвятила выполнению последней воли мужа: передать то, что осталось от художников, на их родину. Она же организовала единственную советскую выставку Ларионова - в 1980 году экспозиция была показана в Русском музее, а затем - в Третьяковской галерее. Теперь же Ларионов возвращается к нам во всей полноте своего радостного гения.